París, la primera ciudad en iluminar las noches de Europa
Publicado: agosto 15, 2025
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Todas las personas conocemos París. Es una afirmación que muchos calificarían de, por lo menos, equivocada y, en el peor de los casos, un disparate. Sin embargo, París se erige en lo más profundo de nuestro cerebro como un concepto abstracto, un sueño que todos hemos tenido alguna vez. Sabemos de sus cafés, de su historia, sus museos, su ambiente propicio para el amor, sus calles bajo la lluvia… Todos conocemos París. De ahí que cuando alguien menciona “la ciudad de las luces” sabemos de qué hablan. Por ello, ahora que estamos instalados en el mes del amor, queremos compartir con ustedes el origen del apodo más famoso de la bella capital francesa: la ville lumière.
Fotografías: Diego Torres
Una afortunada, pero errónea, suposición
Es bien sabido que históricamente París ha sido uno de los focos académicos, científicos y culturales más importantes de Europa desde tiempos medievales. Ya en 1500, la ciudad era uno de los centros góticos y renacentistas reconocidos de la época, solo precedido por la misma Constantinopla, y contaba con casi 185 mil parisinos, un número considerable de habitantes en comparación con otras ciudades europeas.
Además, dado que tenía una de las universidades más antiguas de Europa, La Sorbona, fue hogar de pensadores ilustres, como Tomás de Aquino, Descartes y Voltaire. Este hecho ha llevado a pensar a muchos que el apelativo de “ciudad de las luces” se debe a su gran prominencia en periodos históricos como lo es el Renacimiento y la Ilustración. Esta idea se adapta a las circunstancias intelectuales de París, sin embargo, no es esa la razón por la que le llamamos así.
Un lúgubre y peligroso pasado
Si nos remontamos al momento en que se instauraron las antiguas ciudades europeas, la imagen es muy diferente a como son ahora. No había drenaje, ni pavimento; las calles eran tan solo angostos caminos llenos de hoyos y lodo; y, por supuesto, no había luz eléctrica, por lo que las noches solían empezar desde que el sol se apagaba en el horizonte. Por ello, y para desgracia de sus habitantes, las noches solían ser peligrosas, ya que los malhechores aprovechaban este momento del día para cometer toda clase de crímenes.
Debido a esta problemática, en 1667, Gilbert Nicolas de la Reynie, el prefecto de la policía parisina, implementó un sistema que cambiaría la historia para siempre: el primer alumbrado público. Para ello, mandó instalar 2700 linternas en las casi 900 calles de las que constaba la ciudad. Al ver en otras ciudades el éxito de este sistema, se fue replicando en el resto de Europa.
Y a nosotros no nos queda más que imaginar que gracias a este detalle pragmático es que los amantes de hoy en día pueden caminar seguros y envueltos en el ambiente romántico que les brindan las luces de París.
“Fútbol y Arte. Esa misma emoción” rumbo al mundial 2026
Publicado: agosto 15, 2025
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Durante marzo, el Museo Jumex presenta una exposición de arte contemporáneo que coloca al deporte más popular del mundo dentro del panorama artístico actual y lo transforma en un punto de reflexión cultural y social. Te presentamos “Fútbol y Arte. Esa misma emoción”.
Rumbo al Mundial 2026, la muestra invita a mirar más allá del juego. Aquí, el fútbol se entiende como un fenómeno cultural, un sistema capaz de construir identidades colectivas, activar memorias y provocar emociones profundas que atraviesan generaciones.
Fotografías: Diego Torres
Desde su apertura en 2013, el Museo Jumex se ha consolidado como una de las instituciones clave del arte contemporáneo en México. Más que un espacio expositivo, funciona como un laboratorio de investigación y pensamiento crítico, con el objetivo de acercar el arte a públicos diversos y ampliar las formas de entenderlo.
Al tomar un elemento profundamente arraigado en la cultura popular, “Fútbol y Arte. Esa misma emoción” abre un diálogo con nuevas audiencias: aquellas que viven el fútbol como una experiencia. El museo se convierte así en un punto de encuentro donde la emoción colectiva encuentra un nuevo lenguaje visual.
A través de pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías y video, la exhibición propone un recorrido que transita entre lo histórico y lo contemporáneo, lo personal y lo social. Reúne cerca de 100 obras de 60 artistas de 13 países, entre ellos México, Estados Unidos, Sudáfrica, Francia y Japón, construyendo una mirada amplia sobre el imaginario del fútbol.
Las obras abordan temas como género, identidad, comunidad y pertenencia, revelando cómo el fútbol refleja las dinámicas sociales del mundo actual y su capacidad para generar vínculos emocionales duraderos.
La identidad visual de la exposición fue desarrollada por Clotilde Jiménez, quien creó collages inspirados en la energía gráfica del fútbol: colores intensos, cuerpos en movimiento y referencias al juego que dialogan con el lenguaje del arte contemporáneo.
En medio del fenómeno global del fútbol, “Fútbol y Arte. Esa misma emoción” propone una pausa para observar todo lo que atraviesa al deporte: cuerpos, relatos, emociones y comunidades. Descubre una exposición que celebra la estética del fútbol, así como su poder para conectar, construir y reunir experiencias humanas compartidas.
DANCASSAB presenta The Anatomy of a Jacket, una exposición de diseño artesanal en ZⓈONAMACO 2026
Publicado: agosto 15, 2025
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En el contexto de ZⓈONAMACO 2026, DANCASSAB presenta The Anatomy of a Jacket, una exposición de diseño que propone una forma distinta de mirar la moda artesanal. Lejos de entender la prenda como un objeto terminado, la muestra invita a recorrerla como un organismo vivo, compuesto por decisiones, técnicas y gestos que conforman su identidad dentro del diseño contemporáneo.
Fotografías: Diego Torres
La propuesta parte de una premisa clara: una chamarra, además de usarse, se habita. A través de instalaciones, diagramas y fragmentos, el visitante accede al interior de una pieza DANCASSAB como si se tratara de una cartografía del proceso creativo. Elementos que normalmente permanecen ocultos, como costuras, cierres, forros y aplicaciones, se presentan como protagonistas y revelan el trabajo artesanal que transforma el cuero en un objeto cultural dentro del diseño mexicano.
Uno de los ejes centrales de la exposición es la Elvis Jacket, una de las chamarras de piel más representativas de la marca. Su origen se encuentra en una prenda de archivo perteneciente a la familia de la diseñadora, originalmente un obsequio de su abuela, Vicky Guindi. Ese punto de partida íntimo se conecta con la precisión del tailoring escénico asociado a Elvis Presley y su uso icónico del brillo, dando como resultado una pieza donde conviven herencia, espectáculo y savoir-faire contemporáneo.
Más allá del imaginario narrativo, la exposición subraya un principio fundamental: la calidad como base innegociable. Todas las piezas DANCASSAB son confeccionadas en México por artesanos especializados, quienes utilizan técnicas tradicionales de marroquinería en México y procesos de alta precisión. La muestra hace visible ese trabajo silencioso, desde la paciencia del corte hasta la exactitud de la costura y el conocimiento transmitido entre generaciones.
The Anatomy of a Jacket busca contar la historia de una chamarra y exponer la lógica que sostiene a todas. La obsesión por la construcción, el respeto por el oficio y la convicción de que el valor verdadero reside en aquello que no siempre se ve atraviesan cada panel y cada fragmento exhibido. La exposición funciona como una disección poética del proceso artesanal, invitando a observar la moda artesanal con la atención que normalmente se reserva a una obra de arte dentro de una exposición de diseño.
Con esta participación en ZⓈONAMACO 2026, DANCASSAB traslada su práctica del cuerpo al espacio expositivo y reafirma su visión de la moda como un lenguaje cultural. En la feria de arte más importante de Latinoamérica, celebrada en la Ciudad de México, la chamarra deja de ser solo una prenda para convertirse en un manifiesto de identidad, memoria y permanencia, anclado en el diseño mexicano y la marroquinería artesanal.
P. https://dancassab.com/es-mx
IG. @dancassab
Ramsés Ruiz: el cuerpo como relato
Publicado: agosto 15, 2025
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El discurso plástico de Ramsés Ruiz parte de un estudio detallado de la figura humana como fuente narrativa. Igualmente, explora los límites de los materiales tradicionales para dotarlos de nuevas lecturas, donde cada pieza invita a la reflexión sobre la vulnerabilidad, la identidad y el deseo, emociones que él reconoce universales. En sus propias palabras: “El cuerpo es materia permanente de estudio. Aún hoy, no lo conozco bien. Hago aproximaciones, tanteos”. Con la intención de entender su universo, el artista nos sumerge en lo que lo mueve a crear.
Fotografías: Diego Torres
¿Cómo dictan las diferentes técnicas que empleas tu proceso creativo?
Cada una de mis piezas responde a una etapa creativa, a ciertas capacidades y conocimientos de técnicas y materiales, a inquietudes y estados de ánimo. Me gusta sospechar que esos dictados no necesariamente los determino yo, sino que puede ser que la pieza me llame a mí para darle volumen.
En un mundo saturado de imágenes, ¿qué te obsesiona al momento de trabajar una obra?
Mis obsesiones responden a mi mundo interior, a una compulsión por el perfeccionismo en detalles que para otros son irrelevantes. No me saturo de imágenes, mis obsesiones me saturan al grado de que me demoro en terminar ciertas piezas.
¿En qué consiste la tensión entre lo místico y lo visceral en tu obra?
En eso de no saber si yo solo soy un canal de creación de algo que me rebasa o el ejecutor de una ocurrencia. Esa tensión, creo, se resuelve en que muchas de mis piezas tienen un grado de comicidad, de humor. La risa, de cierta forma, es una manera de generar una especie de diálogo entre lo elevado y lo terrenal.
¿Qué has aprendido sobre ti mismo al crear, una y otra vez, pieles, gestos y fragmentos humanos?
Que estoy en permanente cambio, es decir, que no soy el mismo de ayer ni, mucho menos, el de hace algunos años. Como mis intereses no se concentran en lo teórico recurro a la experiencia directa cuando hago bosquejos y modelos. Con esto quiero decir que yo no suelo reflexionar sobre mis piezas y procesos creativos, sino que las propias piezas son mis reflexiones no solo del cuerpo, sino de todo aquello que llega a afectarme.
¿Cuál es el proceso que atraviesas al retratar la fragilidad humana, así como las emociones como el estrés y la soledad?
Conectarse con esas emociones, ver esa energía reflejada en el modelo. Y, con suerte, saber que quien observe mis piezas puede encontrar un reflejo de aquello que ha sentido con hondura en un momento de su vida.
¿Cómo equilibras la dualidad entre lo íntimo y lo universal, entendiendo la importancia autobiográfica de tus creaciones?
Como lo mencioné antes, a través del humor, de ciertas notas cómicas en mis piezas. Gestos de complicidad entre quien observa y quien hace observar.
¿En qué basas la selección de colores para una figura, una piel o una atmósfera?
En muchos de los casos, en cuestiones de tradición escultórica, me refiero a la paleta de colores que ofrece el mármol y la cerámica. Esto involucra una certeza: confiar en que el detalle en los volúmenes es capaz de irradiar una o varias emociones, además de las propias reflexiones que me planteo.
¿Cómo dialoga tu trabajo con las nociones contemporáneas de género, identidad y deseo?
Procuro, pese a los riesgos que esto involucra, plantearme una serie de emociones, gestos y tramas universalmente humanas.
¿Cómo ha influido tu contexto en la narrativa visual que construyes?
Supongo que mucho, pero de manera inconsciente. No pienso en modas, en tendencias, en discursos actuales, pero, sin quererlo, aparecen ahí como claves de que soy hijo de un contexto y circunstancia.
En una época donde el arte se consume con avidez, ¿cómo te enfrentas a la idea del tiempo en tu obra?
En que no aprecio el arte como mera mercancía de consumo, sino como objeto de contemplación.